11º Festival de Cine de Montevideo

Cuerpo y música

Desde el día de hoy hasta el domingo 28 de octubre  las más importantes salas comerciales de Montevideo (Casablanca y los Moviecenter de Montevideo Shopping, Portones y Punta Carretas), serán hogar de una nueva edición del Festival de Cine de Montevideo, que en su onceavo aniversario traerá una considerable cantidad de films e invitados especiales, configurando un evento al que habrá que seguir de cerca.

Hacer un repaso de las actividades y grilla de un evento tan vasto siempre exige un cierto recorte -por demás arbitrario- pero a los efectos de dar un pantallazo general de los films exhibirse, podría compartimentarse parte de la muestra en una serie de eventos y elementos coincidentes. En primera instancia, cabe mencionar la fuerte presencia de films latinoamericanos (algo que en cierto punto también fue una de las principales líneas en el pasado Festival de Cine de Punta del Este), con algunos invitados entre los que se destacan importantes presencias de Brasil y Argentina. Cruzando el Río de la Plata llegará Víctor Laplace, presentando Puerta de hierro, película sobre los días de exilio de Juan Domingo Perón en España, que cuenta con la peculiaridad de aún no haber sido estrenada en su país de origen. Por su parte, agregando la esperada última película de Pablo Trapero, Elefante Blanco (con la presencia protagónica de Ricardo Darín), el festival cerrará con Días de pesca, última película de Carlos Sorín (director de joyitas del cine independiente argentino como Historias mínimas y El perro, que también pisará nuestras tierras el 25 de octubre) que nuevamente se traslada a la Patagonia para relatar los pequeños dramas de asordinados personajes que intentan encontrar la redención.

Por parte de Brasil, el Festival al tener importantes contactos con el Festival de Florianópolis, contará con un fuerte peso de films e invitados de nuestro vecino norteño, entre los que se destacan Henrique de Freitas Lima (presentando su film Cuentos gauchescos, película que tiene algunos puntos de conexión con el documental Los últimos cangaçeiros, de Wolney Oliveira –quien ya hubiese visitado Uruguay en la última edición del Festival de Cine de Punta del Este), Ninho Moraes (co-director con Francisco César Filho de Futuro del pasado: Tropicalismo Now, film que como indica el título es un ida y vuelta de pasado a presente –y futuro- sobre conciertos en vivo y las peculiaridades de uno de los movimientos musicales más relevantes de la historia de Brasil) y el mítico Nelson Pereira dos Santos, una de las más importantes figuras del Cinema Novo, que estará presentando La música según Tom Jobim y a quien se le declarará Ciudadano Ilustre por la Intendencia Municipal de Montevideo, el próximo lunes 22 de octubre.

Música al borde de la muerte

Parte de la curiosidad de estos dos últimos títulos (Futuro del Pasado: Tropicalismo Now y La música según Tom Jobim) es el protagonismo que ha tenido la música en lo que refiere a la grilla de programación. El festival no sólo cuenta con otros documentales vinculados a la música autóctona de ciertos países (entre ellos el film El Liberdade -film sobre un pintoresco bar de Pelotas que ha concentrado una mítica cantidad de músicos a lo largo de su historia- y Bertsolari –un documental de Asier Altuna sobre un particularísimo estilo y tradición de poesía oral vasca), sino también dos famosos conciertos: Queen, Rapsodia húngara en vivo en Budapest y The Doors at the Hollywood Bowl. Ambos materiales –a proyectarse casi siempre a horarios nocturnos, como en la vieja tradición uruguaya de conciertos cinematográficos (como habría sido, por ejemplo The song remains the same)- cuentan con la particularidad de trabajar sobre un material remasterizado, incluso en alguna que otra ocasión agregando material que había quedado descartado por problemas de sonido en su versión original (específicamente en el concierto de The Doors se agregaron varias outtakes y temas agregándole casi meda hora extra a lo que había sido su registro original). Dos conciertos que coinciden en la contraposición entre su pirotecnia emocional y la cercanía de la muerte de sus líderes (Morrison moriría en una tina de baño tres años más tarde, en 1971 –el concierto en Hollywood Bowl es casi por así decirlo la marca de agua de su momento más alto como performer, en donde parecería estar en la cima viendo todo lo que vendría después- y Freddy Mercury en cuestión de cuatro años, muriendo de la enfermedad del Sida que durante mucho tiempo intentó ocultar), que encuentran en su formado cinematográfico una buena oportunidad para extraerle un poco de su magia real a estas bandas insignes.

Llamale Génesis

También vinculado al terreno de la música está el film de la francesa Marie Losier, La balada de Genesis y Lady Jaye, curiosísimo documental sobre el/la no menos fascinante Genesis P-Orridge, líder de COUM Transmission, Throbbin Gristle y Psychic TV, tres bandas que redefinieron y ensancharon los límites de la música, los más grandes evangelistas de la música industrial y dueños de varias de las performances musicales más impactantes del siglo pasado. Sin embargo, el aspecto musical es apenas la cáscara de este complejísimo retrato, ya que el corazón del documental es la relación entre Genesis y su pareja, una ex dominatrix con la que emprendió un proceso de operaciones quirúrgicas enmarcadas en un proyecto científico/estético llamado Pandrogenia, impulsado por Genesis, tomando referencias a la técnica de cut-up impulsada por William Burroughs y Bryon Gysin. Esta técnica ya existía en la música de Throbbin Gristle, pero Genesis da un paso más y pretende llevarlo hacia lo estrictamente corporal, orgánico. Siempre deslumbrante en las entrevistas, Genesis ha mantenido que más que ser un “él”, o “ella”, siempre quiso ser un “eso”, y su particularísimo proyecto –que en el fondo pretendía fundirse, al menos especularmente con su pareja- parece llevar a escena uno de los temas que más se ha puesto sobre el tapete en los últimos años: la idea de género como construcción, por fuera de lo meramente biológico, algo que suele ser llevado a discusión en los múltiples films que integran festivales como Llamale H.

La marca de la ola

Para dar un cierre a este incompleto informe, el film cuenta con tres films que atestiguan el mejor momento de tres directores que han resonado con fuerza en los últimos años. Hambre (2008) es el primer film de Steve McQueen –anterior a la más reciente Shame, que fue estrenada este año en Montevideo-, película que relata los distintos aconteceres de los actores vinculados al encarcelamiento de miembros de la IRA y la posterior huelga de hambre. Durísima y escatológica como pocas, pese a la diferencia de tono y escenario con respecto a Shame (2011), Steve McQueen muestra un par de hilos conductores entre estos dos films, que es una particular obsesión del cuerpo como escenario de disputas y proyecciones, pero también como límite. En lo que en una es el sexo y la otra es las funciones corporales básicas –hambre y excrementos- dos películas de una inmensa violencia, que sin embargo –pese a los hechos concretamente violentos que ocurren en Hambre- parecen ocurrir desde adentro del pecho, como una implosión en cámara lenta.

En el lado más opuesto de la balanza, Moonrise Kingdom (2012) encuentra a Wes Anderson con un film que, si bien parece chico en comparación a Los excéntricos Tenembaum (2001), La vida  acuática (2004) o Viaje a Darjeeling (2007), es el que más lejos ha llegado en lo que refiere a lenguaje cinematográfico, en esa construcción de escenarios como si fuera esos libros con escenarios plegables, los juegos de plano-contraplano, encuadre central de los personajes y esa extraña mixtura entre Bresson y Alicia en el País de las Maravilla. Se le puede acusar responsabilidad por la obsesión en tonos pastel y ciertas ridiculeces emocionales de muchos films indie, pero Moonrise Kingdom es una obra de autor, donde todo parece ser posible.

Finalmente, el documental contará con A propósito de Elly (2009), película de Asghar Farahdi, que también había deslumbrado recientemente el escenario local por su excelente La separación (2011)